镜头语言

光与色

景别和构图决定观众看哪里，光和颜色决定观众看的时候是什么心情。这一章先讲光的四个旋钮，再讲颜色怎么选、怎么调。

光：四个旋钮

你觉得一个画面“有质感”“高级”“像电影”，八成是因为光。光听起来专业，其实能调的只有四样：软硬、明暗比例、方向、颜色。学会这四个词，你就能说清九成的布光需求。即使片子里没有实拍，你用 AI 生成图片、让它渲染 3D 画面、甚至给一张卡片加阴影，用的也是这四个词。

软和硬

硬光光束边缘清晰，影子的轮廓锐利，明暗之间几乎没有过渡。戏剧性强，有力量，也冷酷。正午的太阳、聚光灯、手机闪光灯都是硬光。《公民凯恩》(1941)，导演奥逊·威尔斯，摄影格雷格·托兰

软光看不到明显的影子边缘，从亮到暗是缓缓过渡的。柔和、亲切、显皮肤好。阴天、窗边、柔光箱打出来的都是软光。《布达佩斯大饭店》(2014)，摄影罗伯特·约曼

判断软硬只看一个地方：影子的边缘。边缘像刀切的是硬光，边缘糊成一片的是软光。大多数“好看的人像”用软光，大多数“有戏剧张力的画面”用硬光。

高调和低调

高调画面绝大部分是亮的，几乎没有深色阴影。轻盈、干净、乐观，也可以是空洞和不真实。广告、喜剧、情景剧、产品片常用。《布达佩斯大饭店》(2014)

低调画面大部分沉在暗里，只有一小块被照亮。神秘、沉重、私密。注意眼窝是黑的：摄影师戈登·威利斯故意用顶光让你看不清教父一家的眼神。《教父》(1972)，导演弗朗西斯·科波拉，摄影戈登·威利斯

这里的“调”说的是亮和暗的比例，行内叫光比contrast ratio。亮部和暗部差得越多，反差越大，画面越“硬朗”“有戏”；差得越少，画面越“平”“柔”。短视频里常见的“平光”，就是脸上没有任何明暗变化，安全，但没有立体感。

方向

光从哪个方向打到主体上，决定了脸和物体的立体感。记五个方向就够。

方向	看起来	感觉
顺光 front light	光从摄影机方向来，脸上没有影子	清楚、扁平、证件照。美颜直播的环形灯
侧光 side light	半边脸亮，半边脸暗	立体、有性格、有内心戏
逆光 backlight	光在主体背后，主体边缘有一圈亮边，正面偏暗	梦幻、神圣、剪影；把人从背景里“勾”出来
顶光 top light	光从正上方来，眼窝、鼻下、下巴都是影子	压抑、阴沉、审讯
底光 under light	光从下往上，影子反着长	诡异、恐怖。手电筒放下巴底下讲鬼故事

轮廓光来自侧后方的光给脸和发髻描了一道亮边，人从昏暗的背景里浮出来。 — **轮廓光**来自侧后方的光给脸和发髻描了一道亮边，人从昏暗的背景里浮出来。《花样年华》(2000)，导演王家卫，摄影杜可风、李屏宾

影视里最经典的布光叫三点布光three-point lighting：一盏主光在侧前方，负责照亮和塑形；一盏弱一些的辅光在另一侧，把主光造成的阴影提亮一点；一盏轮廓光在侧后方，给头发和肩膀描边，让人和背景分开。采访、口播、产品拍摄，基本都是这个结构的变体。

画面里看得见的光源

走廊顶上那盏灯既是道具，也是真正在照亮人物的光源。这种出现在画面里的灯叫实景光源（practical）。它让光“有来处”，观众会下意识地觉得真实。 — 走廊顶上那盏灯既是道具，也是真正在照亮人物的光源。这种出现在画面里的灯叫**实景光源**（practical）。它让光“有来处”，观众会下意识地觉得真实。《花样年华》(2000)

窗户和台灯，两个都看得见的光源。百叶窗把光切成一条一条，落在墙上成了图案。《爱乐之城》(2016)

空气里有雾、烟或灰尘的时候，光就有了形状：车灯的光柱、顶上那一排灯带都“看得见”了。这叫体积光，也是《银翼杀手 2049》那种氛围的主要来源。 — 空气里有雾、烟或灰尘的时候，光就有了形状：车灯的光柱、顶上那一排灯带都“看得见”了。这叫**体积光**，也是《银翼杀手 2049》那种氛围的主要来源。《银翼杀手 2049》(2017)，导演丹尼斯·维伦纽瓦，摄影罗杰·迪金斯

怎么对 AI 说光

三种场合会用到。一是让它生成图片或视频素材，光的描述直接进提示词。二是让它从一堆素材里挑片，或者判断哪一条拍得好。三是做图形动效时，阴影、高光、发光这些“假的光”也要遵守同一套逻辑：全片的光从同一个方向来。

对 AI 这样说

别这么说

生成一张有质感的人物照片。

这么说

生成一张人物近景。软的侧光从画面左边的窗户进来，右半边脸在阴影里但保留细节。背景比人物暗两档，侧后方有一道暖色的轮廓光勾出头发。整体低调、暖色，浅景深。

对 AI 这样说

别这么说

卡片加点阴影，立体一些。

这么说

假设光从左上方来。所有卡片的投影都朝右下，偏移 6 像素、模糊 20 像素、黑色 12% 不透明度。卡片上沿加一条 1 像素的浅色高光。全片所有元素都用这同一个光向，不要有的朝左有的朝右。

颜色：先认三个属性

任何一个颜色都可以用三个数来描述。调色、配色、挑颜色，动的都是这三个数。

属性	是什么	拧它会怎样
色相 hue	红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，色环上的位置	决定“是什么颜色”。暖色（红橙黄）靠近、兴奋；冷色（青蓝）后退、冷静
饱和度 saturation	鲜艳程度。拉到最低就是灰色	高饱和：活泼、年轻、廉价都有可能。低饱和：克制、成熟、压抑
明度 lightness / value	亮还是暗	决定画面的轻重。人眼对明度差最敏感，所以字和底的明度一定要拉开

一个马上能用的判断：新手和 AI 默认生成的画面，颜色往往是“高饱和、中等明度”的，也就是又艳又闷。把饱和度整体降两成，把明度的对比拉开（亮的更亮、暗的更暗），画面立刻会成熟一截。

配色：一部片子只用几个颜色

好看的片子颜色都很少。下面每张图下面的色条，是从这一帧里直接提取出来的主要颜色。你会看到它们几乎都只在色环上占了很小的一段，或者只用了两段。

单色整个画面只有橙色的深浅变化。极端、纯粹，像另一个星球。《银翼杀手 2049》(2017)

**邻近色**品红、紫、蓝，色环上挨着的三个颜色。和谐、沉浸，霓虹夜景的常用组合。《银翼杀手 2049》(2017)

**互补色**沙地的橙和天空的蓝紫，在色环上正好相对。互补色放在一起彼此都更显眼，这就是“青橙色调”的原理。《疯狂的麦克斯：狂暴之路》(2015)

**多个纯色**红、蓝、绿、黄四条裙子，背景统一成蓝。颜色多的时候，要让它们饱和度一致，并且有一个颜色当“底”。《爱乐之城》(2016)

配色方式	怎么选	感觉	风险
单色 monochromatic	一个色相，只变深浅	统一、极简、风格强烈	容易单调，靠明暗对比撑
邻近色 analogous	色环上挨着的两三个	和谐、柔和	缺少焦点，需要一个明度很高的点
互补色 complementary	色环上相对的两个	对比强、主体突出	两个颜色面积一样大会打架。一个做大面积的底，一个做小面积的点
中性色加一个强调色	黑白灰米，加一个鲜艳的颜色	干净、现代、重点明确	几乎没有。拿不准就用它

最后一行是给你的默认答案。做讲解片、产品片，选一个接近白或接近黑的底色，一个和它对比足够的字色，再加一个强调色，只用在每一屏最重要的那个东西上。行内有个“60-30-10”的经验比例：六成底色，三成辅助色，一成强调色。

颜色可以是一个导演的签名

有些导演光看颜色就认得出来，因为他们把配色当成了固定的规则。

韦斯·安德森粉、紫、红，糖果一样的低明度对比。每部片有一套像甜点盒的色板，从建筑到制服都服从它。 — **韦斯·安德森**粉、紫、红，糖果一样的低明度对比。每部片有一套像甜点盒的色板，从建筑到制服都服从它。《布达佩斯大饭店》(2014)

同一部片的电梯间：大红的墙，紫色的制服。颜色不写实，但全片自洽。《布达佩斯大饭店》(2014)

王家卫便利店和鱼缸的荧光绿。现实里“难看”的混合光，被他用成了都市孤独的颜色。 — **王家卫**便利店和鱼缸的荧光绿。现实里“难看”的混合光，被他用成了都市孤独的颜色。《重庆森林》(1994)，摄影杜可风、刘伟强

到了《花样年华》，换成暗红和墨绿，饱和很高但整体很暗，像被压住的情绪。《花样年华》(2000)

暖和冷

全片浸在琥珀色里：舞台灯、铜镲、木地板。暖色把观众拉近，也让汗水和血更刺眼。《爆裂鼓手》(2014)

青绿色的草、灰白的烟、没有一点暖色。冷色让人后退半步，像隔着一层东西看。《1917》(2019)

色温color temperature是说光本身偏黄还是偏蓝。蜡烛、钨丝灯、夕阳偏暖（黄橙）；阴天、阴影里、荧光屏偏冷（蓝青）。一个很好用的手法是冷暖对比：背景冷、人物暖，人会像被一小团火照着一样突出来。上面《银翼杀手 2049》的雾里那两盏车灯，《疯狂的麦克斯》的蓝天黄沙，都是这个道理。

调色：给整部片子一个“看法”

拍出来或生成出来的原始画面，颜色通常是“正确”但没有性格的。调色color grading是后期统一地改变全片颜色的过程，它决定这部片子是用什么“心情”看世界的。分两步：先校色（把每个镜头的曝光、白平衡调到一致、正常），再风格化（整体推向某种色调）。

下面是同一帧画面，套上七种常见的调色方向。点着看，注意下面的说明里用了哪些词。

原片：《爱乐之城》(2016) 开场。演示里的色调是用网页滤镜模拟的，只为示意方向。

调色时能拧的旋钮，名字比较固定：

旋钮	管什么	常见说法
曝光 / 亮度	整体亮暗	“整体压暗半档”“提亮一点”
对比度	亮部和暗部拉开多少	“加对比，让画面更硬”“降对比，柔一点”
高光 / 阴影 / 黑位	分别调最亮处、暗处、最黑处	“把高光压回来，窗外不要死白”“黑位抬起来一点，做褪色感”
白平衡 / 色温	整体偏黄还是偏蓝	“色温往暖走一点”“校正偏绿”
饱和度	整体鲜艳程度	“降两成饱和”“只提高肤色的饱和”
分离色调 split toning	给暗部和亮部分别染不同的颜色	“暗部偏青，高光偏橙”
LUT	一个打包好的调色预设，一键套上去	“套一个柯达胶片的 LUT，强度 60%”
暗角 vignette	画面四角压暗	“加一点暗角，把视线收到中间”
颗粒 grain	叠一层胶片噪点	“加一层细的胶片颗粒，强度很轻”

调色里有一条红线：肤色。不管整体色调多风格化，人的皮肤看起来要像皮肤。肤色发绿、发灰、发紫，观众会立刻觉得“病了”或“假”。给 AI 的调色要求后面加一句“保护肤色，肤色保持自然”。

对 AI 这样说

别这么说

调个电影感的色。

这么说

先把所有镜头的曝光和白平衡校到一致。然后整体风格：对比度略加，饱和度降 15%；暗部往青色偏一点，高光往暖橙偏一点；黑位略微抬起，不要有死黑。肤色保持自然。最后加很轻的暗角和细颗粒。调完把调色前后各截三帧并排给我看。

不同来源的素材怎么统一

混剪和讲解片常常把不同来源的素材放在一起：手机拍的、网上下的、AI 生成的、录屏的。它们的颜色、清晰度、质感全都不一样，接在一起会像拼盘。让 AI 做三件事就能统一大半：

全部校到同一个曝光和白平衡基准。
套同一个风格化调色，或者叠同一层很淡的颜色。
叠同一层颗粒或纹理。颗粒像一层胶水，能把清晰度不同的素材粘成一体。

还有一招更彻底：把所有外来素材都装进同一种“容器”里，比如统一的白边相纸、同一款手机外框、同一种撕纸边缘。容器统一了，里面的东西再杂，观众也觉得是一套。

给图形和文字配色的四条规矩

做动效和图文画面时，颜色的问题比实拍更突出，因为每一个色值都是你（或 AI）选的。

不用纯黑和纯白。纯黑 #000 配纯白 #FFF 反差太硬，看久了累。黑用 #1A1A1A 一带，白用略带暖或带冷的 #F5F4F0 一带。
字和底的明度差要够。眯起眼睛看，字要仍然清楚地浮在底上。浅灰字压白底、深蓝字压黑底，是可读性的头号杀手。
强调色只有一个，并且省着用。它出现的地方就是在喊“看这里”。一屏喊三次，就没人听了。
颜色要有固定的意思。橙色代表“重点”，就全片都代表重点；绿色代表“正确”，红色代表“错误”，就不要拿红色去做装饰。

对 AI 这样说

这么说

配色：底色 #F4F1E8（暖的米白），正文字 #2A2826（暖的深灰），次要文字 #7B7870。强调色只有一个，#C6613F，只用在每屏最重要的一个数字或一个圈上。不出现第四种彩色。所有截图素材统一加 2% 的暖色叠加和细颗粒，让它们看起来是同一套。

片例截图与片段仅用于学习与评述，版权归原作者与出品方所有，出处见片单与出处。